Claudia Pagès con Nora Haddad y nara is neus

La pieza de Claudia Pagès, una producción nueva específicamente concebida para el Museo CA2M junto a Nora Haddad y nara is neus, podría definirse como un concierto: a partir de una propuesta técnica sucinta ─de luz, batería y texto─, realiza una lectura de la historia que colapsa diversos tiempos en el presente de su acontecer performativo. En los últimos años, los textos, esculturas y dibujos de la artista han consistido en formas de reparación temporal ligadas a una cronopolítica queer. Frente al tiempo productivo del capitalismo neoliberal y al biológico reproductivo, frente al tiempo histórico tradicional teleológico y único, la cronopolítica propone otras relaciones entre el cuerpo y el tiempo que permiten poner voz y cuerpo a las disidencias que producen afectos diferenciales. Estas nuevas formaciones temporales, transhistóricas y desviadas, se materializan en esta performance como posibilidades de lidiar con el archivo, las extracciones, las inscripciones y la violencia histórica a través de la iluminación, la voz y el sonido.

Las luces láser colapsan el tiempo de forma literal: su tecnología high-tech es un salto temporal con respecto a tecnologías medievales analógicas. Los dibujos que proyectan parten de las firmas notariales medievales, de las filigranas y marcas de agua utilizadas entre los siglos XVII y XIX en Cataluña como formas de circulación del poder. Los láseres archivan el material para proyectarlo en las paredes a modo de pintadas, de graffitis que se mueven en el espacio y son imposibles de fijar. Lejos de los lásers verdes de la cultura de club, Claudia Pagès concibe pintadas murales animadas, un archivo móvil hecho con luz de significantes de poder fracasados que viajan y se fragmentan transhistóricamente. Esta forma de revelar el pasado en el presente, de invocar formas de violencia latentes que todavía le dan forma desde un tiempo anterior, anuncia también futuros nuevos, politemporales, polivocales y vitales que tienen lugar en la experiencia misma de su transcurrir performativo.

Si las paredes de las salas de exposiciones de la tercera planta del museo serán temporalmente una publicación material, el texto coreográfico circula por los espacios con resonancias somáticas en una dualidad que es al mismo tiempo negada. La pieza transcurre en dos salas comunicadas por una pasarela exterior donde la batería negará ese efecto dual desde una centralidad estructural. La oralidad se desplazará entre los espacios, inscribiendo y reformulando sentidos. Lo performativo se concibe entonces como un espacio de hallazgo en un tiempo constantemente interrumpido para la circulación libre de los cuerpos que escuchan.

Estamos en el mundo de la constante insistencia de lo dual y la ultra resignificación.

Empathy grow/stack/raise/hold/encapsulate es un intento de obra de arte total con música, coreografía, diálogo, personajes, vestuario y escenografía - que ha dejado de funcionar como un todo y ha decidido apilarse, crecer, aguantar, elevar y encapsular en un “cada uno por su lado”.

Encapsulated music or/and script for Empathy es una performance que combina música ambiental y voz. La voz contextualiza múltiples personajes recitando diálogos, historias y poemas que van apareciendo en diferentes capítulos. En ella se describen diferentes anécdotas y situaciones resultantes de una colisión en una institución y cómo ésta afectó a las personas que participaron, tanto en el trabajo, en casa como en sus cuerpos. El texto, que sigue la melodía de la música ambiental que lo acompaña, cuestiona la necesidad de empatizar no sólo dentro de las empresas y las instituciones, sino también en las relaciones interpersonales.

Residencia en red con amb la Muestra y concurso de tràilers escénicos 'Caravana de tràilers' organizada por G.R.U.A. (Grup de Recerca d'Universos Artístics).